Maridajes con la fotografía

La 32ª edición del ciclo Maridajes cuenta con la exposición Week-End, un proyecto de la fotógrafa valenciana Gala Font de Mora.

Gala Font de Mora (Valencia, 1989) combina su trabajo profesional en fotografía y vídeo con una práctica artística personal de gran sensibilidad documental. Su proyecto Week-End, desarrollado a partir de 2019, ha sido reconocido por medios internacionales como The Guardian y The Washington Post, y premiado por LensCulture en los Street Photography Awards.

Week-End explora cinco de los seis autocines que aún permanecen activos en España. A través de una estética cinematográfica, el proyecto busca visibilizar estos espacios casi olvidados, lugares desconocidos para la mayoría, cuyo recuerdo suele asociarse a las películas de otros tiempos y a la cultura estadounidense. Lejos de ser un simple registro documental, la serie propone una mirada evocadora sobre estos escenarios en vías de desaparición.

La autora retrata los rincones de los autocines, la diversidad de sus espectadores y la atmósfera singular de estos recintos, a menudo situados en paisajes costeros donde la vegetación crece libremente. Font de Mora subraya la relación entre el espectador y la pantalla, capturando las expresiones y gestos del público dentro de los coches, en ese microcosmos íntimo que se forma durante la proyección. Week-End habla también del tiempo suspendido, del ritual colectivo de mirar cine desde el coche y de la peculiar convivencia entre lo público y lo privado en estos espacios.

Del 15 de noviembre de 2025 al 15 de mayo de 2026.

© Gala Font de Mora

La exposición Los Salazar, es un ensayo fotográfico realizado por Adriana López Sanfeliu a lo largo de 7 años.

Adriana López Sanfeliu (Barcelona, 1976) es fotógrafa y cineasta. Su práctica documental se caracteriza por una exploración profunda de comunidades de difícil acceso, estableciendo relaciones a largo plazo que permiten una perspectiva íntima y personal. Este compromiso con una aproximación prolongada aporta matices que transforman los resultados de su fotografía.

Los Salazar es un ensayo fotográfico realizado a lo largo de 7 años que captura de manera íntima los roles multifacéticos de las mujeres en la cultura gitana.
En particular, Los Salazar explora sus roles como hijas, esposas y madres en el marco de una familia tradicional. Ellas son, al final, la garantía de cohesión en un mundo que amenaza constantemente su diferencia cultural. Las transiciones que viven estas mujeres en el seno de la comunidad gitana son, en sí mismas, un fenómeno insólito en nuestra sociedad en cambio constante.

El tratamiento fotográfico de Los Salazar prioriza una práctica de la fotografía como dispositivo de colaboración y no de apropiación. La comunidad gitana ha estado históricamente sujeta a una explotación visual que la autora sentía que había que dejar atrás a la hora de convivir con y fotografiar a los miembros de la familia Salazar.

Del 29 de enero de 2025 al 31 de octubre de 2025.

©Adriana López Sanfeliu

Esta exposición nos sumerge en el concepto de sinantropía, definida como la capacidad de algunas especies de flora y fauna para adaptarse a las nuevas condiciones ambientales, especialmente aquellas creadas o modificadas por la actividad humana. A través de la lente de Txema Salvans, exploramos este fenómeno con un enfoque íntimo y revelador.

El paisaje que se nos presenta es el de las cigüeñas, símbolos de adaptación y resistencia, luchando por sobrevivir en medio de la degradación de sus hábitats. Las fotografías de Txema Salvans nos invitan a reflexionar sobre nuestra responsabilidad colectiva. Nos muestran la herencia y el legado que estamos dejando a las generaciones futuras, así como la urgencia de repensar nuestra relación con el medio ambiente.

Al final, Sinantropía nos recuerda que estas imágenes hablan de nosotros, de nuestra herencia y legado, de esa distopía en la que nos hemos instalado, para que este viaje a través de la lente de Txema Salvans nos inspire tal vez a tomar acción, a reimaginar un futuro donde la coexistencia entre la humanidad y la naturaleza sea armoniosa y sostenible.

Del 25 de junio de 2024 al 26 de enero de 2025.

©Txema Salvans

La exposición Desde la Ventana muestra el trabajo de 20 fotógrafos y fotógrafas.

La muestra gira entorno a uno de los temas más recurrentes y queridos por los fotógrafos: la ventana. No es casual que la primera fotografía de la historia (tomada por Niépce en 1826, tras ocho horas de exposición a la luz) fuese precisamente una toma desde la ventana de la casa del fotógrafo.

La ventana es un elemento que fascina a los fotógrafos porque inconscientemente plantea el paralelismo entre el objetivo (ventana que proyecta la luz en la cámara oscura) y la propia ventana como abertura desde la que miramos, protegidos en la cámara oscura de nuestras casas. La mayoría de los fotógrafos sueñan con ser invisibles y, por eso, al parapetarse tras la ventana, tienen ese privilegiado punto de vista para observar sin ser vistos.

Los 18 fotógrafos de la Colección de Foto Colectania que participan en esta exposición presentan imágenes de diferentes épocas, contextos y estilos, mostrando su fascinación por las ventanas, y sorprendiéndonos con sus miradas a través, y sobre, este elemento tan presente en nuestras vidas.

Los autores son: Manel Armengol, Vari Caramès, Juan Manuel Castro Prieto, Toni Catany, Gal·la Font de Mora, Ferran Freixa, Alberto García-Alix, Cirstina Gracía Rodero, Paco Gómez, Juande Jarillo, Manolo Laguillo, Fernando Lemos, Rita Magalhães, Ramon Masats, Xavier Miserachs, Cèsar Ordóñez, Carlos Pérez Siquier, José Ronco, Gervasio Sánchez y Rafael Sanz Lobato.

Del 27 de septiembre de 2023 al 10 de junio de 2024.

© Manolo Laguillo

La exposición Jean-Marie del Moral. Retratos de artistas, ofrece una mirada al extenso trabajo retratista del fotógrafo hispano-francés, desde siempre fascinado en captar pintores y escultores en sus estudios.

La trayectoria de Jean-Marie del Moral como fotógrafo profesional y colaborador de prestigiosos rotativos franceses tuvo un punto de inflexión a finales de los 70s cuando visitó el estudio de Joan Miró. Este breve pero intenso encuentro activó una pasión que mantiene hasta hoy: retratar a pintores y escultores en ese ámbito mágico de creación que son sus estudios.

Del Moral comenzó visitando a los creadores españoles de la generación del exilio, tanto en París como en España (manteniendo una relación de amistad con algunos de ellos) para después ampliar su repertorio a creadores contemporáneos de todo el mundo. Entre ellos, destaca el seguimiento que ha mantenido con Miquel Barceló a lo largo de varias décadas, un hecho insólito en la historia de la fotografía y posiblemente el fotoensayo más intenso de la biografía de un artista.

La estrategia del fotógrafo al acceder a los estudios parece sencilla: no distorsionar, no invadir ese espacio personal y, a su vez, ser rápido para aprovechar la pequeña franja de tiempo en la que el retratado se entrega y confía. Junto a estas virtudes, la captura de estas imágenes únicas tiene mucho que ver con su admiración hacia unos creadores que le ofrecen la oportunidad de acceder a su territorio más íntimo.

Del 19 de enero de 2023 al 26 de septiembre de 2023.

© Jean Marie del Moral

La 27ª edición del ciclo Maridajes, titulada “Basado en historias reales”, ofrece una nueva mirada al fondo de la colección de Foto Colectania, con fotografías de Manel Armengol, Javier Campano, Carlos Cánovas, Jean-Marie del Moral, Cristina García Rodero, Francisco Gómez, Juande Jarillo, Fernando Lemos, Isabel Muñoz, César Ordóñez, Carlos Pérez Siquier, Txema Salvans, Gervasio Sánchez, Rafael Sanz Lobato, Luiz Simôes y Ricard Terré.

La exposición toma como punto de partida las historias que hay detrás de las fotografías, aquellas que muchas veces no se explican y que en esta ocasión toman más protagonismo para mostrar al espectador una intencionalidad que muchas veces pasa desapercibida. Las imágenes seleccionadas, acompañadas de nuevas contextualizaciones y, en ocasiones, del testimonio del propio autor, pretenden dar nuevos sentidos y una mayor profundidad a las fotografías.

Del 27 de julio de 2022 al 13 de enero de 2023.

© Juande Jarillo

La 26ª edición del ciclo Maridajes, titulada “Realidades y ficciones”, conjuga la resonancia entre dos autores que tienen mucho en común: Joan Fontcuberta y Cristina De Middel.

Las series que presentamos en el Maridaje número 26: Sputnik de Joan Fontcuberta y Afronautas de Cristina de Middel, constituyen - en ambos autores - uno de sus trabajos más emblemáticos. Los dos juegan a provocar al espectador con el propósito de despertar la duda sobre la veracidad de las historias que ilustran (basadas en historias reales) y, en paralelo, cuestionan la supuesta objetividad de la fotografía.

Para Fontcuberta, Sputnik supuso uno de los grandes momentos de su trayectoria (su ficción llegó a darse por buena por parte del público y los medios de comunicación); para De Middel, Afronautas fue el fulgurante inicio de sus trabajos creativos. Ambos emplean con maestría el uso del impacto visual y la reflexión que nos provocan sus imágenes.

Del 15 de diciembre de 2021 al 31 de mayo de 2022.

© Cristina De Middel

Esta nueva exposición de fotografías de la colección de Foto Colectania es una propuesta visual que nos muestra el agua en sus distintas apariencias -la lluvia, el mar, los ríos, los glaciares o las nubes, etc.,- como parte de su ciclo vital y como origen y vehículo de nuestra supervivencia. Su presencia constante en nuestras vidas es posiblemente una de las causas por las cuales aparece representada en numerosas fotografías de una manera más o menos intencionada por parte de los autores.

En algunas de las fotografías de esta muestra, el agua se presenta de manera directa, convirtiéndose casi en protagonista de la toma; en otros casos, aparece fusionada con la escena, mostrando cómo nos relacionamos con los diferentes entornos. La diversidad de las propuestas nos lleva a valorar su importancia y, probablemente, a ser más conscientes de su fragilidad.

La exposición es una invitación a descubrir este elemento natural a través de la fotografía y a comprobar que contemplar el agua nos provoca siempre una fascinación renovada.

La exposición incluye fotografías de: Manel Armengol, Vari Caramés, Gabriel Cualladó, José Miguel de Miguel, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Francisco Gómez, Inês Gonçalves, Jorge Guerra, Juande Jarillo, Chema Madoz, Xavier Miserachs, Nicolás Muller, César Ordóñez, Carlos Pérez Siquier, Joana Pimentel, Leopoldo Pomés, Beatriz Romero, José Ronco y António Martín Sena da Silva.

Del 15 de marzo de 2021 al 30 de noviembre de 2021.

© Juande Jarillo

La exposición «Huellas» reúne un conjunto de fotografías realizadas por tres de los fotógrafos contemporáneos con más resonancia en nuestro país: José Guerrero, Simona Rota y Carlos Spottorno. A pesar de tener trayectorias y puntos de partida bien distintos, hemos querido aunar sus series más emblemáticas en esta nueva entrega de «Maridajes». Desde ámbitos geográficos muy diferentes, cada propuesta muestra espacios vacíos de presencia humana, pero llenos de indicios que nos hacen pensar en cómo nos relacionamos con nuestro entorno y los rastros que dejamos en el paisaje.

De José Guerrero presentamos sus poéticas imágenes de Nueva York, que nos muestran una ciudad cuyos habitantes no se ven directamente sino a través de la profusión de luces de sus rascacielos. En Ostalgia de Simona Rota encontramos vestigios de la arquitectura promovida por la antigua Unión Soviética en sus 15 repúblicas entre las décadas de 1960 y 1990. La serie se constituye como un catálogo subjetivo de edificios monumentales que parecen testimoniar heroicas intenciones de un pasado, pero que llegan hasta el presente destilando cierto optimismo erosionado. Finalmente, las fotografías de China Western de Carlos Spottorno nos ofrecen un intenso recorrido por la región china de Xinjiang, al noroeste del país, una de las regiones más despobladas de la República Popular, con veinte millones de habitantes en una extensión de más de millón y medio de kilómetros cuadrados.

Del 24 de enero de 2020 al 31 de enero de 2021.

© Simona Rota

El impulso de los fotógrafos por viajar y mostrarnos nuevas realidades que van más allá de lo que nos resulta más próximo, de lo ya conocido, es una constante desde la invención del medio. En este sentido, la fotografía, como herramienta capaz de registrar y documentar el mundo, ha fascinado a fotógrafos que han recorrido el mundo con la intención de descubrirnos lugares y situaciones que escapan a nuestra realidad más inmediata.

En una época en la que tanto viajar como fotografiar es una opción más accesible para todos, y tal y como señalara el escritor Paul Bowles hablando de la literatura de viajes, es la relación personal de los autores con lo que tienen a su alrededor lo que añade valor a sus relatos. En este sentido, el énfasis se traslada del lugar en sí al efecto que tienen estos sobre la persona que escribe o, en este caso, fotografía.

Más allá de la diversidad de lugares y de tiempos que muestran las series fotográficas en esta exposición, coincide una actitud y una mirada íntima por parte de los autores que las realizan.

De este modo, las fotografías de finales de los años setenta de Manel Armengol nos desvelan un país en aquel momento cerrado al exterior, extraño y desconocido, que el autor nos muestra a partir de su mirada más personal. Con una aproximación que recuerda a la de los relatos orales de la tradición oriental, las fotografías de Jordi Esteva nos permiten recorrer la misteriosa isla de Socotra, en la que el autor acompaña al nieto del último sultán, el joven Ahmed, a través de unos paisajes que parecen más literarios que reales. Desde una perspectiva también de proximidad, José Ramón Bas nos muestra una mirada diferente de Senegal, que huye de los estereotipos para mostrarnos, a través de instantáneas manipuladas técnicamente, el lado más tierno de este país. Por su parte, la joven fotógrafa Inês Gonçalves ha viajado a las antiguas colonias portuguesas como Goa o Cabo Verde, realizando contundentes retratos en blanco y negro de sus habitantes.

Finalmente, las fotografías de Paolo Nozolino, otro autor cuya biografía y obras van íntimamente ligadas, muestran escenas tomadas en Marruecos o Egipto que destacan por un uso dramático de la luz que nos aproxima a un estado mental más que puramente geográfico.

Del 29 de julio de 2019 al 15 de diciembre de 2019.

© Jordi Esteva

Esta exposición reúne una selección de autores para los cuales la fotografía es una herramienta esencial para narrar la propia experiencia. A diferencia de la fotografía documental y el intento de representar la realidad externa, los fotógrafos que forman parte de esta muestra nos proponen una mirada mucho más intimista y poética, demostrando cómo las fotografías que parten de lo personal pueden ser un medio para dar rienda suelta a la imaginación de quien las observa.

En “Autobiografías” encontramos una selección de obras de Vari Caramés que, con un lenguaje aparentemente fugaz, nos remite a ambientes que nos pueden llegar a resultar extrañamente cercanos. Del reconocido fotógrafo portugués Jorge Molder, quien ha construido su obra alrededor de sí mismo, mostramos imágenes de su serie “Un mundo pequeño”, donde el propio artista acaba siendo el protagonista de sus fotografías. En el caso de Juan Manuel Castro Prieto, las fotografías expuestas remiten a su entorno más próximo para mostramos lo que el autor considera “lo más profundo de nosotros mismos”.

La muestra incluye finalmente un conjunto de obras de una nueva generación de fotógrafos, como son Catarina Botelho, que fotografía momentos íntimos que despiertan en el espectador sugerentes historias, o Aleix Plademunt, que parte de su propia existencia física para conducir

Del 21 de diciembre de 2018 al 14 de julio de 2019.

© Aleix Plademunt

La exposición ‘Manos’ muestra la habilidad de una veintena de fotógrafos para retratar el lenguaje de los gestos a través de las manos. Las fotografías reflejan lo que representan las manos en diferentes situaciones, desde la posesión al devenir vital. En algunas de las instantáneas, las manos son las únicas protagonistas, en otras, acompañan a los rostros o se convierten en un sutil detalle de la composición. En definitiva, a través de esta exposición, las manos conforman una polifonía de gestos fugaces.

Las fotografías de Chema Madoz, los autorretratos-mano de Alberto García-Alix, los contundentes detalles de Nicolás Muller, la predilección de Gabriel Cualladó por las manos solitarias o el abecedario de Joan Fontcuberta, entre muchos otros.

Del 2 de julio al 16 de diciembre de 2018.

© Nicolás Muller

La pintura y la fotografía han compartido desde sus inicios una relación apasionada y cercana. El constante cuestionamiento que se establece entre ambos géneros ha propiciado un caldo de cultivo idóneo para la creación artística. Pero también los creadores que utilizan la fotografía necesitan revisitar los cánones clásicos de la pintura.

En esta selección de la Colección de Foto Colectania comprobamos cómo los fotógrafos afrontan la práctica artística del bodegón desde diversas perspectivas: con los maravillosos ejercicios de estilo compositivos de Toni Catany, Humberto Rivas y Rafael Sanz Lobato, pasando por las extrañas combinaciones de elementos de Joan Fontcuberta, Chema Madoz y Manuel Vilariño, o con los bodegones encontrados de Ferran Freixa y Manolo Laguillo.

Del 29 de enero al 17 de junio de 2018.

© Toni Catany

La exposición “Francisco Gómez. Fotografía de Arquitectura” presenta a través de 60 fotografías la afinidad del autor por la arquitectura, iniciada a partir de la colaboración con la revista Arquitectura. A partir de entonces, su práctica fotográfica se diversificaría enormemente, abriéndose a géneros como la fotografía de arquitectura, el reportaje o una incipiente práctica documental urbana.

Francisco Gómez es uno de los fotógrafos que formó parte del intenso proceso de renovación de la fotografía española acaecido a mediados del siglo XX. También participó en algunos de los principales movimientos y grupos fotográficos surgidos en nuestro país a partir de los años cincuenta, como el grupo Afal, La Palangana o la Escuela de Madrid. Su trayectoria dio un giro y cobró nuevos impulsos cuando empezó a colaborar con la revista Arquitectura en 1959, para la que trabajó hasta 1974.

Desde el año 2001, el Archivo Paco Gómez forma parte de la colección de Foto Colectania, y está formado por más de 1.000 positivos y más de 24.000 negativos.

Del 26 de junio al 30 de noviembre de 2017.

© Archivo Paco Gómez

Esta nueva edición quiere aproximarse a las tipologías, en el ámbito de la fotografía, más allá de la clasificación, repetición y diferencia. Los autores de la muestra son: Manel Armengol, Joan Colom, Joan Fontcuberta, Chema Madoz, Rafael Navarro, César Ordóñez, Jorge Ribalta y Miguel Trillo.

Cuando hablamos de tipologías inmediatamente pensamos en términos como clasificación, repetición y diferencia. En el ámbito de la fotografía, el concepto de tipología fue impulsado por los fotógrafos alemanes Bernd y Hilla Becher, que en la década de los sesenta fotografiaron plantas industriales, torres de agua y demás arquitectura vernacular de una manera aparentemente objetiva.

Los autores representados en esta exposición coinciden en llevar a cabo una exploración en la que la repetición de lo mismo cobra igual de importancia que sus variaciones. Muchos de los proyectos se han transformado en conocidas series fotográficas; y es que el significado más profundo de estos trabajos no se consigue en muchos casos a partir de la imagen única sino de su conjunto. De alguna manera, muchos de los conceptos que definen la tipología, como la intención de sistematizar, son una constante en la fotografía, sin importar tanto si lo retratado son personas, paisajes u objetos. ¿No será el propio acto fotográfico, escondido bajo una aparente objetividad y producción técnica, un intento de captar y ordenar el mundo?

Del 22 de diciembre de 2016 al 30 de mayo de 2017.

© Archivo Paco Gómez

El conjunto de retratos que se presenta en Bodegas Roda bajo el título "Cara a cara", no pretende ser un recorrido por el género del retrato en la fotografía, pero sí quiere mostrar ejemplos destacados de fotografía española y portuguesa desde los años cincuenta hasta la actualidad a través de la colección de la Fundación Foto Colectania. En la exposición, nos envuelven miradas directas, cruzadas, provocadoras o esquivas. Junto a ellas, la fuerza de la gestualidad corporal que comunican los retratos solitarios, de grupos y algunos autorretratos, la mirada del fotógrafo sobre sí mismo.

Cada uno de los fotógrafos de la muestra, todos ellos protagonistas de la fotografía española y portuguesa de la segunda mitad del siglo XX, afronta el retrato desde una óptica diferente.

Autores participantes

Juan Manuel Castro Prieto, Francesc Català-Roca, Toni Catany, Gabriel Cualladó, Ricky Dávila, José Miguel de Miguel, Jordi Esteva, Albert Fortuny, Alberto García Alix, Francisco Gómez, Jorge Guerra, Cristóbal Hara, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Nicolás Muller, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Xavier Ribas, Humberto Rivas, Gervasio Sánchez, Rafael Sanz Lobato, Ricard Terré, Javier Vallhonrat, Virxilio Vieitez.

Del 17 de junio al 30 de noviembre de 2016.

©Juan Manuel Castro Prieto

Los protagonistas de esta exposición son cuatro fotógrafos, Juan Manuel Castro Prieto, José Guerrero, Humberto Rivas y Luis Vioque que, a través de una selección de treinta fotografías, muestran sus diferentes aproximaciones a la temática del paisaje.

Los trabajos de los cuatro fotógrafos que reúne esta exposición son una pequeña selección de sus trayectorias, en las que han profundizado en este género desde ópticas muy diferentes: Juan Manuel Castro Prieto recorrió Perú durante muchos años y nos sumerge en esta sociedad con una mirada serena y analítica, Humberto Rivas no necesita alejarse de su entorno más cercano y con sus pacientes tomas nos inunda de melancolía, José Guerrero desarrolla en el portfolio Támesis el difícil ejercicio de concisión y misterio que requieren los relatos cortos y Luis Vioque juega con los recursos técnicos y la ironía para transmitir la extraña sensación de irrealidad de sus paisajes.

Del 1 de noviembre de 2015 al 30 de abril de 2016.

© José Guerrero / VEGAP

Igual que en la pintura y la escultura, la abstracción ha sido una práctica recurrente también en la historia de la fotografía. Para muchos artistas, la cámara se puede convertir en una herramienta capaz de revelar aspectos de la realidad que muchas veces el ojo no es capaz de ver. En esta exposición, hemos trazado un recorrido en el que nueve autores de nuestra colección enfatizan en los aspectos más formales y expresivos de la imagen fotográfica, ya sea a través de la fragmentación y el reencuadre o a través de la experimentación con los materiales esenciales de la fotografía: la luz y el papel fotosensible.

Por una parte, incluimos a autores que han dedicado gran parte de su trabajo a la abstracción, como por ejemplo Ton Sirera, uno de los pioneros de la fotografía abstracta en España, y Paco Gómez, un poeta de los muros, de los rastros y de los espacios desnudos. Por otra parte, encontramos la abstracción también en numerosos autores que pese a no haber trabajado directamente el tema, sí que han realizado obras abstractas a partir de las composiciones formales y las texturas. Es el caso de Manel Armengol, Ramón Masats, Carlos Pérez Siquier, Xavier Ribas y Humberto Rivas. Por último, la exposición incluye dos trabajos en los que la imagen abstracta se consigue a partir de experimentaciones con el propio medio: las "generaciones" de Juan Bufill y los "frottogramas" de Joan Fontcuberta.

Del 20 de febrero al 20 de septiembre de 2015.

© Cristóbal Hara

En esta nueva edición se ha realizado una selección de obras de fotógrafos, de diferentes épocas y géneros, para mostrar su visión del universo femenino. En el recorrido se podrán ver fotografías de Helena Almeida, Manel Armengol, Vari Camarés, Toni Catany, Joan Colom, Gabriel Cualladó, António Júlio Duarte, José Miguel de Miguel, Paco Gómez, Chema Madoz, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Nicolás Muller, Isabel Muñoz, Leopoldo Pomés, Humberto Rivas, Rafael Sanz Lobato, Ricard Terré y Javier Vallhonrat.

La exposición "En femenino", nos enseña como varios fotógrafos han acudido de manera recurrente, ya sea por placer o por profesión, a mostrarnos el universo femenino en sus fotografías. Hay ámbitos en los que este género ha sido especialmente prolífico como sería el de la fotografía de moda. Pero en esta ocasión, el interés es reflejar la figura de la mujer como eje central de la selección, con fotografías tomadas en épocas distintas por autores muy diferentes entre sí.

A lo largo de la exposición, las fotografías en pared se muestran como un puzle de imágenes que remite a los gabinetes de curiosidades del siglo XIX, permitiendo que sea el espectador el que encuentre sus propias conexiones.

Del 3 de julio de 2014 al 1 de noviembre de 2014.

© Helena Almeida

En este nueva edición es LA CIUDAD la protagonista: un escenario que ha cautivado siempre a los fotógrafos, desde los pioneros hasta los aficionados, que nos servirá para tomar el pulso y apreciar sus reflexiones sobre la singular realidad de las urbes.

Los trabajos que proponemos son series emblemáticas de los fotógrafos, realizadas entre los años sesenta y noventa, y también magníficos ejemplos de los diferentes caminos de la fotografía contemporánea:

Miserachs nos muestra la vitalidad de su Barcelona Blanco Negro un foto-ensayo que marcó la renovación de la fotografía española de los años sesenta; Sanz Lobato, pionero de la fotografía antropológica, nos sorprende con un reportaje inédito, lleno de energía e intuición sobre barrio chino de Génova; el punto de color lo aporta Ribas con su célebre serie de los años noventa "Barcelona" que mira la ciudad desde las periferias con ironía; y finalmente, Manolo Laguillo que aporta su reflexión sobre la arquitectura y los cambios urbanísticos desde una mirada frontal, eje central de todo su trabajo y que ha creado escuela en nuestro país.

Del 10 de noviembre de 2013 al 30 de abril de 2014.

© Manolo Laguillo

En esta ocasión y para concluir el ciclo de exposiciones Maridajes, Foto Colectania ha seleccionado las parejas de las obras más representativas de los fotógrafos españoles y portugueses que han participado en las once ediciones anteriores del ciclo. Estas parejas fotográficas, que podrán verse del 19 de abril hasta finales de octubre, combinan dos autores, generando resonancias tanto entre las imágenes representadas como entre el espíritu de ambos.

Fotógrafos participantes: Francesc Català-Roca, Gérard Castello-Lopes, Juan Manuel Castro Prieto, Joan Colom, Gabriel Cualladó, José Miguel de Miguel, Ferran Freixa, Alberto García Alix, Cristina García Rodero, Paco Gómez, Inês Gonçalves, Jorge Guerra, Cristóbal Hara, Chema Madoz, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Nicolás Muller, Humberto Rivas, Rafael Sanz Lobato, António Martín Sena da Silva, Ricard Terré.

Del 19 de abril de 2013 al 31 de octubre de 2013.

© Cristina García Rodero

Esta exposición nos acerca a la ciudad de San Sebastián de finales de los años cincuenta vista por Paco Gómez y a la Lisboa de 1967, a través de la cámara del portugués Jorge Guerra. Hay fotógrafos que se sienten más libres fotografiando otras ciudades que la propia, posiblemente por esa extrañeza que nos provoca contar lo cotidiano; sin embargo para otros, como Gómez y Guerra, esta proximidad les permite sacar una atractiva mirada que profundiza en el conocimiento de su mundo más cercano.

Del 1 de noviembre de 2012 al 16 de abril de 2013.

© Paco Gómez

"Maridajes" es un ciclo de exposiciones que la Fundación Foto Colectania realiza a partir de su colección de fotografía en la sala de exposiciones de BODEGAS RODA desde mayo de 2007.

La idea es establecer puntos de contacto entre las obras de dos fotógrafos de la colección de Foto Colectania, creando un juego de resonancias que remite a la enriquecedora combinación de dos elementos, como la que se obtiene maridando un plato con una copa de vino.

Ramón Masats y Ricard Terré pertenecen a la brillante generación de fotógrafos que en los años sesenta participaron en la renovación de la fotografía española, ellos desde el movimiento de la Nueva Vanguardia en Cataluña y otros desde Almería, Madrid y muchos otros lugares de España. Los integrantes de este movimiento reivindicaron una nueva fotografía con una energía desbordante (casi todos eran muy jóvenes) y mantuvieron la convicción de que la fotografía era una expresión artística con sus propias claves. Los dos autores de esta exposición compartieron muchos postulados creativos y una buena amistad, lo que propició que expusieran juntos desde sus inicios, muchas veces en compañía de Xavier Miserachs. Hemos querido destacar en esta exposición la singularidad de sus trabajos, sus perspectivas fotográficas diferentes, creando el maridaje entre dos de sus series más importantes: Sanfermines de Ramón Masats y la Semana Santa de Terré. La resonancia de sus miradas nos permite acercarnos a la atmósfera de una época gris, dura y al mismo tiempo vital.

Del 15 de abril al 15 de septiembre de 2012.

© Ricard Terré

Los fotógrafos Juan Manuel Castro Prieto y Nicolás Muller nacieron en diferentes épocas y han mantenido trayectorias profesionales diferentes. Con todo, son muchas y curiosas las coincidencias que los unen tanto personal como profesionalmente. La selección de sus fotografías en la 9ª edición del ciclo de exposiciones Maridajes, que forman parte de la colección de la Fundación Foto Colectania, pretende buscar elementos comunes entre dos escenarios y formas de mirar diferentes que descubran los matices de proximidad de estos dos grandes creadores. Bodegas Roda acoge las mejores obras de estos dos fotógrafos a través de las series “Perú, viaje al sol” de Castro Prieto (Madrid, 1958) y los primeros trabajos de Muller (Orosháza, 1913 - Andrín, 2000).

Del 20 de octubre de 2011 al 31 de marzo de 2012.

© Juan Manuel Castro Prieto

A pesar de pertenecer a dos generaciones distintas y con trayectorias personales y profesionales también diversas, la obra fotográfica de Cristóbal Hara y Rafael Sanz Lobato comparte el interés por el mismo ámbito rural. Con planteamientos muy dispares, ambos autores retratan ritos y tradiciones populares de nuestro país. Con miradas a veces opuestas -Lobato desde una óptica clásica y con especial observación del hecho retratado; Hara desde su radical estilo de renovación del documentalismo-, ambos fotógrafos han desarrollado una obra de gran nivel. En esta 8ª edición de Maridajes, Bodegas Roda acoge algunas de las mejores obras de estos dos fotógrafos, ejemplificadas en dos series, Lances de aldea de Hara (1985-1989) y Bercianos de Aliste de Lobato (1970-1971).

Del 1 de abril al 30 de septiembre de 2011.

© Cristóbal Hara

A través de las fotografías de António Sena da Silva (Lisboa, Portugal, 1926) y Gérard Castello-Lopes (Vichy, Francia, 1925), resuena la ciudad de Lisboa de los años cinquenta; los carros, los camiones, los tranvías, los barcos reflejan el paso del tiempo, pero las gentes que son sus protagonistas, siguen demostrándonos que los grandes fotógrafos reflejan la vida un poco más allá de lo aparente. La frescura de Castello-Lopes nos muestra la ciudad en el trabajo cotidiano, sus tiendas, sus rincones y sus gentes casi siempre en movimiento. Sena da Silva, con un formato de cámara mayor, se aventura con sus picados y tomas sobre los adoquines a enseñarnos el dinamismo de su ciudad y sus alrededores.

Del 13 de noviembre de 2010 al 13 de abril de 2011.

© Gérard Castello-Lopes

En la sexta edición del ciclo "Maridajes", las obras de los fotógrafos Paco Gómez y Chema Madoz se unen con un objetivo común: la fascinación por los objetos. Con varias décadas de separación, las obras de Gómez y Madoz se unen para buscar la mirada poética de la fotografía inspirando a la imaginación con muy poco.

Paco Gómez (Pamplona 1918) y Chema Madoz (Madrid 1958) comparten la misma visión de la fotografía. A diferencia del trabajo de reportero, ambos fotógrafos buscan los detalles imperceptibles que inspiran sentimientos y que, gracias a la imaginación, cuentan historias. Para ello, les basta con iluminar la hierba, reencuadrar los graffiti, encontrar las manchas en las paredes y en las gabardinas o, simplemente, apoyar una escalera sobre un espejo. Siempre con la serenidad de quien no se juega nada, pese a crear entre lo aparente y lo genial.

Del 4 de mayo al 30 de octubre de 2010.

© Chema Madoz

En la quinta edición del ciclo de exposiciones Maridajes, queda patente que los fotografos Xavier Miserachs y Francesc Català-Roca, además de buenos amigos amigos fueron cómplices en su particular manera de posicionarse ante la fotografía. La vida de los personajes de la calle constituyó su máxima inspiración de estos dos indiscutibles maestros de la fotografía de los años 50 y 60.

Xavier Miserachs y Francesc Català-Roca tuvieron en común claros vínculos estéticos en su aproximación a la fotografía en blanco y negro. Ambos compartieron la sobriedad del tratamiento de la luz natural y el protagonismo de la vivacidad de la vida callejera. Los fotógrafos catalanes también reivindicaron una renovación del gris panorama cultural de aquellas décadas, que manifestaron con todos los medios que entonces tuvieron a su alcance: a través de exposiciones, revistas, libros y desde una militancia desenfadada.

Del 1 de octubre de 2009 al 30 de abril de 2010.

© Francesc Catalá-Roca

La resonancia de los dos fotógrafos que hemos escogido para la última propuesta de Maridajes tiene un paralelismo muy directo: la obra de dos clásicos de la fotografía española de los años sesenta entorno a un tema recurrente en la trayectoria de ambos, las fotografías de niños. Pero más allá de la temática que les une, Gabriel Cualladó y Miguel de Miguel comparten haber sido grandes dinamizadores de la fotografía española de mitad del siglo XX. En la obra de Cualladó destaca una destilada influencia de los clásicos internacionales y una extraordinaria habilidad para el retrato próximo y directo. Por su parte, De Miguel se atreve, con una frescura poco común, con las puestas en escena y reivindica el sentido del humor.

Del 1 de marzo al 31 de octubre de 2009.

© José Miguel de Miguel

En la tercera edición del ciclo de exposiciones de fotografía “Maridajes”, organizada por la Fundación Foto Colectania se presenta la obra de Humberto Rivas y Ferran Freixa que comparten un mismo interés por lo poético, por los espacios solitarios y un planteamiento parecido en el tratamiento de la luz.

Humberto Rivas y Ferran Freixa tienen trayectorias vitales y artísticas muy diferentes; sin embargo, comparten una misma fascinación por los espacios detenidos en el tiempo, por lugares que parecen esperar la entrada de alguien, por rincones en los que la luz es protagonista.

Ferran Freixa (Barcelona, 1950) se inició en el mundo de la fotografía de manera autodidacta, aunque en 1969 se profesionalizó al abrir su estudio propio, especializado en moda, industria y publicidad. Diez años más tarde abandonó este ámbito para centrarse en la arquitectura; fue entonces cuando realizó una serie de fotografías de tiendas de Barcelona que parecen detenidas en el tiempo: en Galon Glacé, un maniquí mira impertérrito al espectador, en una imagen que remite a los años 20 o 30 pero que, en realidad, está tomada en 1979; algo parecido sucede con otra instantánea, Sombrerería Obach, fechada ese mismo año pero cuya plasticidad, así como el uso de la luz y las sombras, parece en realidad una sombrerería de los años 50.

En las fotografías de Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937), también el tiempo se ha detenido: Niña es la imagen de una muñeca antigua; podría parecer que la instantánea se tomó hace décadas, sin embargo, está fechada en 1992. Este artista, nacido en Buenos Aires en 1937, se estableció en Barcelona en 1976; las imágenes que realizó en esta ciudad guardan un gran paralelismo con las de Freixa, pues ambos buscan el ángulo sombrío, que a veces confunde el ojo del espectador. Montmayour, una foto de Rivas de 1993 parece reflejar un decorado fantasmagórico, igual que la de Freixa Illa de Llatzaret (1982). Además de las coincidencias en el plano artístico, a Ferran Freixa y Humberto Rivas les une una amistad que les ha permitido trabajar y viajar juntos.

Del 1 de septiembre de 2008 al 28 de febrero de 2009.

© Humberto Rivas

La obra elegida, en una nueva edición del ciclo de exposiciones, ha sido la de Alberto García-Alix y Joan Colom, dos artistas de trayectorias diferentes pero cuya visión del mundo y su interpretación de la fotografía tienen puntos en común.

Aparentemente dispares y, sin embargo, muy parecidos en su planteamiento, Alberto García-Alix y Joan Colom son los protagonistas de una nueva edición de la exposición “Maridajes”. Se trata de aunar la obra de dos fotógrafos, cuya visión del mundo y su interpretación de la imagen crean una combinación perfecta, como la que se obtiene maridando un plato con una copa de vino. Según Pepe Font de Mora, director de la fundación y comisario de la muestra, ambos artistas comparten su obsesión por captar la vida: Alberto García-Alix retrata a la gente a cámara descubierta; Joan Colom les sorprende en la calle, mientras pasea tratando de pasar inadvertido. Cada uno en su estilo, en dos ciudades bien diferentes y dos épocas distintas, el Madrid de la movida y la Barcelona de los años 50 y 60, respectivamente, pero con un nexo común: el retrato fiel de la gente tal cual es y el uso del blanco y negro.

Del 8 de febrero al 31 de julio de 2008.

© Joan Colom

"Maridajes" es un ciclo de exposiciones que la Fundación Foto Colectania realiza a partir de su colección de fotografía.

Se establecen puntos de contacto entre las obras de dos fotógrafas de la colección, Cristina García Rodero e Inês Gonçalves, creando un juego de resonancias que remite a la enriquecedora combinación de dos elementos.

Cristina García Rodero representa la veteranía e Inês Gonçalves la nueva fotografía portuguesa, pero ambas comparten el interés por el viaje, la búsqueda de la luz y el protagonismo del retrato. García Rodero presentará sus fotografías de viajes por España, Georgia, Polonia y Grecia, con el nexo común de su fascinación por los niños; mientras que las fotografías de Gonçalves retratan sus viajes por las antiguas colonias portuguesas de Cabo Verde, Goa y su serie realizada en São Tomé.

Del 11 de mayo al 31 de julio de 2007.

© Inês Gonçalves